¡Salí de ahí, amiga! Esta hubiera sido mi advertencia para la autora francesa Annie Ernaux, que en su libro Pura pasión (1992) cuenta, con pelos y señales, el romance cuasi enfermizo que mantuvo con un tipo casado al que le gustaba usar trajes de Saint Laurent, corbatas de Cerruti y manejar autos caros. Un diplomático de Europa del Este, con aires de superioridad, entregado a vivir a su antojo sin reparar en el resto.

Imagínate eso. ¡Peligro, peligro! La pobre mujer debe de haber cortado siete millones de clavos y esperado mil millones de años para que al final no pase más que lo que pasa siempre: nada. Él sigue con su esposa. Ella, sola.

Leer esta confesión agota. Sí. Es apabullante. Sí. Pero también hace de espejo para tantas que andan enredadas por ahí en esa telaraña pegajosa y destructiva del amor apurado y sin futuro. “Desde septiembre del año pasado no he hecho más que esperar a un hombre: he estado esperando que me llamara y que viniera a verme. (…) Todo mi horizonte se limitaba a la siguiente llamada telefónica para concertar una cita. (…) cuantos más días transcurrían sin que me llamara, más segura estaba de que me había abandonado”.

La autora revela sin pudor que todo en su comportamiento era artificial, ya que los únicos momentos en que actuaba con voluntad genuina eran los que guardaban alguna relación con ese hombre que le dolía en el cuerpo. Y sí. Mucho antes de Annie Ernaux, ya lo había entendido, y muy bien, Jorge Luis Borges, cuando escribió su poema “El amenazado”: “la ansiedad y el alivio de oír tu voz, la espera y la memoria, el horror de vivir en lo sucesivo. (…) Estar o no estar contigo, es la medida de mi tiempo. (…) es el amor con sus pequeñas magias inútiles”.

Como sea, la confesión de la amante de un hombre casado es tan antigua como el mundo. Sin embargo, es la intensidad de la narración detallada, sincera y entrecortada, lo que le imprime a la obra cierta urgencia y desesperación que atrapa. Casi casi, como si fuera una miniserie de Netflix, pero de 74 páginas y protagonizada por la reconocida autora francesa, heroína de este desfachatado intríngulis amoroso. Algo parecido me pasó cuando leí El acontecimiento, el relato de la misma autora que da cuenta de su propio aborto, en la clandestinidad más absoluta, siendo apenas una adolescente, en una Francia donde se consideraba delito interrumpir un embarazo.

Vuelvo a Pura pasión y a su explicación de lo inexplicable. Porque el amor no se explica, y la pasión menos, ¿no?, pero puede tener algunos síntomas evidentes. Por ejemplo, entrar en un estado de trance y empezar a hacer todo tipo de pavadas que nunca jamás antes se nos hubieran ocurrido. La autora enumera una cuantas: prometerle al cielo que si él la llamaba donaría dinero a alguna entidad de beneficencia, pensar en hacerse leer las cartas por alguna vidente y después no atreverse, ponerse la misma ropa que llevaba el día de aquel beso como si eso se tradujera en una llamada de él o un encuentro en la calle.

En fin, ¿qué decirte?. Porque, para ella, esta no era una historia cualquiera, con una cronología que contar. Para Ernaux, el tiempo se explicaba solo a través de la presencia o ausencia de aquel objeto de su amor (como el poema borgiano). Y no tenía ningún interés en dar explicaciones de aquella pasión sin sentido, que la estaba carcomiendo hasta el caracú: “todo era una carencia sin fin, salvo el momento en que estábamos juntos haciendo el amor”. Es que explicar equivaldría a “considerarla un error o un desvarío por los que hay que justificarse”. Y no. No era nada de eso. Olvidate. Hasta que el tipo, de un día al otro, se esfumó. Te lo dije.

Pura pasión, editado por Tusquets, reflexiona -en pocas líneas- sobre el delirio al cual puede conducirnos una relación amorosa obsesiva y fuera de pista. Define a la pasión y a la escritura al mismo tiempo, en un texto que provoca empatía, espanto y compasión.

“Me pregunto si no escribo para saber si los demás no han experimentado cosas idénticas o, al contrario, para que les parezca normal experimentarlas (…) como un recurso para defenderse de la pena”. Y, al final de todo, reconoce que escribir (o su pasión por la escritura) le permitió exorcizar la experiencia y darse cuenta de que, aún en las locuras que se llegan a hacer por amor (ponele), habría un aprendizaje y algo para rescatar.

“He descubierto de lo que uno puede ser capaz, que equivale a decir ser capaz de todo. De deseos sublimes o letales, de falta de dignidad, creencias y comportamientos que tildaba de insensatos en los demás, hasta que yo misma recurrí a ellos. Sin que él lo sospeche, me ha ligado más al mundo”. Entonces me pregunto: ¿vale la pena tanta desazón ? ¿Y a qué precio? Y ella me responde: “Cuando era niña, para mí el lujo eran los abrigos de piel, los vestidos de noche y las mansiones a orillas del mar. Más adelante, creí que consistía en llevar una vida intelectual. Ahora me parece que consiste también en poder vivir una pasión por un hombre o una mujer”. ¿Será?

Quién es Annie Ernaux

♦ Nació en Francia en 1940.

♦ Es escritora y profesora de letras.

♦ A los 82 años, fue galardonada con el Premio Nobel de Literatura 2022.

♦ Su obra literaria es mayormente autobiográfica. Entre ellas se destacan El acontecimiento, El lugar, La vergüenza, Una mujer y Los años.(I).

Durante este año que ya acaricia su final, Escalandrum está celebrando su 25 aniversario. Un cuarto de siglo en el que el sexteto de jazz liderado por Pipi Piazzolla se dio unos cuantos gustos: tocar en el mítico Birdland de Nueva York, compartir nominación al Grammy con Chick Corea y Al Di Meola, girar por el mundo junto a Elena Roger, grabar en el no menos mítico Studio 2 de Abbey Road.

La banda no entiende otro festejo que no sea música nueva (15 discos en 25 años lo corroboran) y por eso aprovecha la oportunidad para lanzar Escalectric, un álbum de composiciones propias que se expande por fuera de su zona de confort. Un salto desde la sonoridad del jazz a una instrumentación eléctrica, con el groove como bandera. Once temas que pueden entenderse también como un viaje emocional a algunas de las músicas que marcaron la adolescencia de sus integrantes.

Para charlar sobre Escalectric y su presentación –este miércoles 6 en Thelonious Club– nos sentamos en una sala de ensayo de Villa Urquiza con el bajista Mariano Sívori y el saxo tenor Damián Fogiel, miembros fundadores –allá por 1999– de esta formación indispensable del jazz argentino, que completan Daniel Pipi Piazzolla en batería, Nicolás Guerschberg en teclados, Gustavo Musso en EWI y saxo alto y Martín Pantyrer en clarinete bajo y saxo barítono.

“En el título del disco hay como una apelación nostálgica a los tiempos del Scalextric, que habla de una generación bisagra –la nuestra– que creció con la tele en blanco y negro y ahora está atravesada por internet”, arranca Mariano Sívori. “Además juega con el hecho de que se trata de una versión más eléctrica de Escalandrum, con la que nos remontamos a sonidos de los años 70 y 80, desde el jazz eléctrico al rock, el funk y demás. La evocación del Scalextric tiene que ver también con que hacer el disco fue un poco como cuando éramos chicos y nos juntábamos a jugar, una cuestión lúdica que es muy de la esencia de la banda”.

El sexteto Escalandrum cumple veinticinco años y lo celebra con “Escalectric”

—¿Qué versión –o visión– de Escalandrum va a encontrar el público en Escalectric?

—Damián Foigel: Creo que lo primero que se va a distinguir es un cambio en la instrumentación. En el disco Mariano está tocando el bajo eléctrico en todos los temas –procesado con pedales y demás–, mientras que Gustavo Musso toca el EWI, una especie de saxo electrónico que tiene una presencia muy particular. También hay teclados en vez del piano convencional con el que solemos tocar, y Pipi está con una batería más grande. Todo eso genera, tímbricamente y en la instrumentación, una diferencia bastante importante con el Escalandrum más habitual. Después hay cuestiones relacionadas más con las composiciones del disco, que tienen un enfoque claramente eléctrico y groovero.

—Mariano Sívori: En las composiciones del disco hay elementos del soul, el funk y el rock. Es una fusión en la que nosotros nos sentimos cómodos y nos permite remontarnos a sonidos que están emparentados con nuestra adolescencia, entre los años 80 y 90, cuando comenzamos el estudio en serio de los de los instrumentos y empezar a imaginarnos que podríamos dedicarnos en serio a la música. Son sonidos que nos fueron arrullando si se quiere y que después fueron quedando medio de lado a partir del acercamiento a otros tipos de músicas, a la clásica, al tango y demás… Cuando nos encontramos con esto empezó como un juego, metiendo el bajo eléctrico y el EWI de Gustavo y con la idea de ir probando cosas, que es una constante en Escalandrum.

—D. F.: En general, como banda nos gusta abandonar ciertos lugares que ya hemos recorrido. Tenemos como la pulsión de movernos de conocimientos que ya hemos adquirido, por decirlo de alguna manera, y avanzar a territorios nuevos. Es una necesidad que creo que es más para nosotros mismos que para los demás. Tenemos la costumbre de ensayar y grabar mucho, por lo que enseguida andamos buscando cosas que nos obliguen a mover el avispero. Esta nueva instrumentación nos habilita a ir por lugares que a lo mejor con nuestros instrumentos más convencionales no hubiéramos transitado.

El secreto de su permanencia es que es una prioridad para sus integrantes

—Cumplen 25 años juntos, una cifra impresionante para una pareja y mucho más para una banda… ¿Cuál es el secreto?

—M. S : Creo que una gran parte del secreto reside en que, después de 25 años juntos, seguimos escuchándonos unos a los otros tanto cuando tocamos como cuando no estamos tocando. Nos respetamos y somos muy amigos. Y se da una cosa muy particular, que es que Escalandrum es la prioridad de cada uno de nosotros, más allá de que todos toquemos también con otras bandas. Esto fue así desde el comienzo, y no tengo recuerdo de que en algún momento lo hayamos hablado, simplemente ocurrió. Todos hemos resignado cosas importantes por priorizar este proyecto.

—D. F.: Lo que nos convoca fue y sigue siendo la música, y esta manera lúdica que tenemos de vivirla. Si hago un tema siempre pienso en tocarlo en Escalandrum, aunque eventualmente pueda terminar en otra parte. Pese a que no todo fueron buenos momentos, siento que no fue difícil llegar a los 25 años. En otras bandas es habitual que con el tiempo se vaya perdiendo el impulso habitual, que los integrantes de pronto sientan la necesidad de probar cosas diferentes, pero eso en Escalandrum por alguna razón es no ocurrió.

—M. S.: Creo que acá se produjeron de una manera muy natural roles y afinidades que son fundamentales para mantenernos juntos. Si bien Escalandrum tiene un líder que es Pipi, él cumple ese rol desde un sentido aglutinador, de impulsar la decisión de grabar por ejemplo, de poner el corte y decir “bueno, ahora es el momento de meternos en el estudio”. Y los demás no tenemos problemas en otorgarle esa capacidad de organizarnos y tomar una parte mayor de las decisiones. No tiene nada que ver con acatar, sino con reconocer las aptitudes de cada uno.

—En un número altísimo de bandas, el líder es el que compone, pero en eso Escalandrum rompe bastante la norma…

—M. S.: Tal cual. Y creo que en esa distribución de roles hemos encontrado lo que nos permitió la convivencia tanto el tiempo y todas las experiencias fantásticas que hemos vivido. Cada uno –los siete músicos más nuestro manager Horacio Sarría– sabe que tiene un rol desde el que puede sumar y aportar. Los principales compositores son Nicolás Guerschber y Damián, pero luego los temas suelen cobrar su identidad definitiva en los ensayos. De hecho, en Escalectric casi que hay una división exacta de temas de Nico y de Damián, con alguno que aporté yo y otro de Pipi.

—D. F.: En muchos sentidos Escalandrum opera como un equipo un equipo de fútbol, en el que no tiene sentido que un solo tipo esté todo el tiempo llevando la pelota y los demás mirando. Capaz traigo una composición en papel, pero al tocarla juntos va yendo para otro lado y se convierte en un tema mejor, más “tocable” o más interesante que el original. Es como que entre todos logramos que cada composición encuentre su manera de correr, aprovechando la virtud de cada uno.

En la temporada estival participarán en el Cosquín Rock y en el Lollapalooza

—Esta “horizontalidad” es clave también en uno de los aspectos que más se suelen elogiar de Escalandrum, que es el vivo…

—M. S.: Mirá, creo que en el vivo es donde más somos una banda de jazz, donde se generan esas energías del momento que hacen que un recital difícilmente sea igual a otro.

—D. F.: Te diría que ni siquiera en los ensayos los temas suenan iguales, casi nunca los tocamos de la misma forma. Y en vivo se suelta aún más esa pulsión jazzística de la que habla Mariano, la improvisación y el juego con las texturas, los volúmenes y los matices. La experiencia de tantos años tocando juntos en tantos contextos diferentes nos terminó perfeccionando el hábito de escucharnos y percibir al toque cuando alguno está generando algo en el momento. Es como una cosa camaleónica que también se aplica a las distintas circunstancias, a los lugares y a los públicos, incluso cuando no son para nada favorables.

—Hablando de públicos, este verano van a tocar en el Cosquín Rock y en el Lollapalooza, lo que no es algo raro para ustedes. ¿Cómo suelen ser esas experiencias con audiencias de rock?

—M. S.: En general la recepción es de buena a muy buena, nunca tuvimos quilombo por tocar en contextos más rockeros. Al contrario. Además, a nosotros nos divierte porque nos habilita tocar con aproximaciones diferentes a las habituales. Y ahora vamos a ir con el material de Escalectric, que creo que va a sintonizar muy bien.

—D. F.: Todos en un punto tenemos algo de rock en nuestro sistema de gustos, así que no nos sentimos para nada extraños dentro de esos festivales. De hecho, el año pasado hicimos una gira enorme por Brasil en la que tocamos casi siempre en festivales de rock y blues. Y hay un montón de cosas que tienen que ver con el rock que yo siento que nos identifican, desde estar juntos durante 25 años hasta la costumbre de ensayar todas las semanas o entendernos como una banda que no está al servicio de un solista sino del conjunto. Cosas que son quizás más habituales en el rock que en el jazz.

Astor Piazzolla es una influencia muy fuerte para todos los miembros de Escalandrum

—A lo largo de estos 25 años de carrera la banda ha tenido una identificación muy fuerte con Piazzolla, que repercutió en un gran reconocimiento tanto nacional como internacional. ¿En algún momento eso se volvió un peso o una gravitación demasiado densa?

—M. S.: Piazzolla es lo más grande que hay y no puede ser un peso nunca, pero entiendo lo que querés decir. La realidad es que en ningún momento de nuestra historia tocamos exclusivamente Piazzolla, siempre alternamos con nuestra propia música. Para nosotros tocar las composiciones de Astor fue y es todo ganancia, porque se trata de una de las músicas más profundas que existen y de la que se puede aprender permanentemente. Lo que sí ocurre cuando giramos tocando música de Astor es que el foco –para bien o para mal– está absolutamente sobre Pipi. Y eso, después de tantos años, se puede volver un poco pesado… volver a contar las historias con su abuelo y demás. Esta charla, por ejemplo, no se podría dar en ese marco, porque sería inevitable que estuviera Pipi hablando de su relación con Astor.

—D. F.: Lo que tiene tocar Piazzolla es que te pone una vara de excelencia impresionante. Es un incentivo permanente a, por lo menos, arrimar el bochín cuando pasás de tocar su música a la tuya. Un entrenamiento brutal, que te impulsa a sacar lo mejor de vos mismo. Creo que si hoy estamos parados en el lugar que estamos es en gran parte gracias que escuchamos, estudiamos, adaptamos e interpretamos un montón su música. Todo ese aprendizaje generó un bagaje que después se derrama en lo otro que haces. Tocar Piazzolla funciona como un ida y vuelta que por un lado te exige y por el otro te brinda. Como dice Mariano: es todo ganancia.(I).

El próximo 14 de diciembre, el artista Xul Solar cumpliría 136 años, por lo que el museo y centro cultural que lleva su nombre realizará una jornada en homenaje que incluye una visita astrológica en torno a su obra, un desfile de moda y un concierto.

De este modo, la Fundación Pan Klub Museo Xul Solar, que este año cumplió tres décadas desde su creación, rinde tributo al artista integral, músico y astrólogo nacido en 1887, cuya obra no puede escindirse del plano esotérico ni de la pura invención utópica.

Si bien la invitación para la jornada conmemorativa arrancará al mediodía, a las 14.30 se espera un desfile de moda a cargo del Foro Internacional de Discapacidad, mientras que a las 16 se realizará una visita guiada astrológica a cargo de Vilma Piñeyro, en la que se recorrerán los aspectos místicos y esotéricos de su producción, pasando por Zodiaco y llegando a su famoso mazo de tarot.

Para el cierre, ya por la noche, a las 20, se presentará Mailu en concierto. Las entradas se pueden adquirir a través del siguiente link: https://www.eventbrite.com.ar/e/mailu-en-el-museo-xul-solar-tickets-761324561257.

El museo de la fundación Xul Solar celebró este año su 30° aniversario

El museo, ubicado en la calle Laprida al 1212, fue inaugurado el 13 de mayo de 1993 a 30 años del fallecimiento del artista, con obras seleccionadas por él mismo que conforman la muestra permanente de la colección junto con objetos, esculturas y documentos que pertenecen a su archivo personal.

A su vez, el espacio funciona como centro cultural donde se realizan eventos y exposiciones temporales dedicadas a difundir su obra, y por otro lado la Fundación conserva la vivienda personal del artista en Tigre y la Ciudad de Buenos Aires, donde se conserva su biblioteca de unos 3.500 volúmenes.

Pero además de estas propuestas de la fundación, la producción del artista nacido bajo el nombre Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari sigue revalidando su vigencia en distintos lugares del mundo con piezas que integran las muestras permanentes de museos y que también forman parte de exposiciones temporales actualmente en exhibición, como una titulada Antes de América que se puede visitar en Fundación Juan March, en Madrid, hasta marzo de 2024.

También, pero en Buenos Aires y en el Museo de Arte Moderno, se puede recorrer hasta febrero del año próximo A 18 minutos del sol que tiene obra de Xul Solar y reúne trabajos de numerosos artistas donde la práctica artística se compromete con las imágenes científicas y, entre ambas, abren sentidos paseando por esos derroteros de la espiritualidad y lo auténticamente americano.

Fuente y fotos: Telam

El caricaturista argentino Juan Matías Loiseau (Tute) recibió este sábado el Homenaje de caricatura La Catrina en la mexicana Feria Internacional del Libro (FIL) de Guadalajara por su trayectoria en las tiras cómicas que han sido publicadas en medios de comunicación en Argentina y en otros países de Iberoamérica.

En su discurso de recepción, el argentino afirmó que el humor tiene como finalidad la recreación pero también mostrarle a la sociedad cómo es y hacia dónde va. Recordó que el ilustrador y caricaturista mexicano José Guadalupe Posada (1852-1913), creador del personaje de la Catrina que inspiró este premio, utilizaba el humor para criticar a la sociedad, como “un espejo social para mostrarnos cómo somos realmente”. “Nos devuelve un yo completo, con los perfiles, con las miserias, con los fantasmas, los miedos, ese es el espejo y la imagen que nos devuelve el humor, pero sirve también para sostenernos frente a la muerte”, expresó.

Al recibir el premio La Catrina en Guadalajara, Tute recordó que el ilustrador y caricaturista mexicano José Guadalupe Posada utilizaba el humor para criticar a la sociedad, como “un espejo social para mostrarnos cómo somos realmente”. EFE/ Fraancisco Guasco

Tute, quien publica sus tiras en el diario La Nación desde 1999, bromeó con la idea de que el humor es como el picante de los mexicanos del cual “no hay que hacer abuso de él, pero que nunca falte”, señaló.

El caricaturista es el creador de Batu, el personaje de la tira gráfica que ha sido volcado en ocho libros y saltó a la pantalla en un programa del canal argentino PakaPaka, además de los personajes Mabel y Rubén cuyas aventuras fueron publicadas en un libro en 2022.

Marisol Schulz, directora de la FIL, afirmó que el trabajo de Tute “nos demuestra que un buen humorista nos provoca risas en cada cartón y con cada historieta” pero también ayuda a reflexionar en aspectos de la vida que no necesariamente son positivos. “Tute ha destacado por un humor puntiagudo y genial que nos habla desde el futuro como diciendo: tranquilos, todo se puede poner peor”, afirmó.

El caricaturista argentino Tute recibió el premio La Catrina en la Feria del Libro de Guadalajara (México). EFE/ Fraancisco Guasco

Fue distinguido con el Premio Konex (2012) y elegido como uno de los 100 argentinos más innovadores por BGH, entre otras distinciones. Varios de sus libros obtuvieron el premio BD al mejor libro de historieta en Argentina.

En la ceremonia, los asistentes portaron títeres con la imagen de los personajes de las tiras de Tute, que lo celebraron y convirtieron el auditorio Juan Rulfo en una fiesta.

La edición 37 de la FIL concluye este domingo tras nueve días de actividades. Arrancó el 25 de noviembre, con un programa que reunió a 650 escritores de 45 países, 630 presentaciones de libros de distintos géneros y unos 3.000 encuentros literarios, culturales, gastronómicos y presentaciones musicales.(S).

La cuarta edición del Festival de Cine INSTAR se llevará a cabo del 4 al 10 de diciembre de 2023 en sedes distribuidas en Barcelona, París, Nueva York, Miami, Ciudad de México, Buenos Aires y São Paulo. El festival se enfocará en el carácter transnacional del nuevo cine cubano, explorando su interacción con diversas cinematografías, especialmente aquellas provenientes de países gobernados por regímenes dictatoriales o autoritarios que imponen restricciones a los artistas. El evento busca destacar el diálogo en constante crecimiento entre estas cinematografías y promover la diversidad cultural en el cine.

En Buenos Aires será del 5 al 10 de diciembre, la sala Manuel Antín del Centro Cultural San Martín será testigo del IV ciclo de cine del Instituto de Artivismo Hannah Arendt (INSTAR). Coordinado por el cineasta Ricardo Figueredo y bajo la dirección de la reconocida artista cubana Tania Bruguera, este festival se erige como un faro de libertad para la expresión independiente en el mundo del cine.

La estructura del festival se despliega en una amalgama de sesiones cuidadosamente curadas, donde cada filme encuentra su espacio para resonar y dialogar con el público ávido de nuevas perspectivas. Desde cortometrajes con impacto inmediato hasta documentales profundos que exploran las complejidades de la sociedad contemporánea, el IV Festival de Cine INSTAR presenta un programa que desafía las expectativas y promete emociones intensas en cada proyección.

Esta cuarta edición se destaca por dar voz a las narrativas silenciadas y tener diálogo entre cinematografías diversas (Crédito: Prensa Festival INSTAR)

El primer día del festival, el martes 5 de diciembre, la jornada inaugural exhibirá obras como Agwe, de Samuel Suffren (Haití), El rodeo, de Carlos Melián (Cuba), y Abisal de Alejandro Alonso (Cuba-Francia). Las dos sesiones posteriores contarán con producciones que van desde And how miserable is the home of evil, de Saleh Kashefi (Suiza-Irán) hasta Mujeres que sueñan un país de Fernando Fraguela (Cuba), ofreciendo un abanico cinematográfico diverso y cautivador.

El miércoles 6 de diciembre, las pantallas se iluminarán con películas como Un homme sous son influence, de Emmanuel Martín (Canadá-Cuba), que se lleva a cabo en Montreal, donde Emmanuel, un emigrante cubano, anhela simplemente descansar tras largas jornadas laborales y La teoría cubana de la sociedad perfecta dirigida por el mismo Ricardo Figueredo, que relata la búsqueda y formación del “hombre nuevo” en Cuba, planteada hace 58 años. A través de entrevistas, se explora la idea de forjar un ciudadano libre de las influencias y limitaciones del sistema capitalista.

El jueves 7 de diciembre, se rendirá homenaje al pasado cinematográfico con proyecciones de films como Apollo, man to the moon, de Fernando Villaverde (Estados Unidos) y Las campañas de invierno, de Rafael Ramírez (Cuba-Venezuela-México). La primera muestra ciudad de Nueva York durante el histórico primer aterrizaje del hombre en la Luna, se captura la vida, los paisajes sonoros y la atmósfera de sus calles y habitantes; mientras que la segunda se sumerge en una casa que parece existir en un espacio sin definir, donde vive el jugador principal de un videojuego junto a su familia.

El Cultural San Martín será la sede del festival en Buenos Aires (Crédito: Prensa Festival INSTAR)

La intensidad del festival continúa el sábado 9 de diciembre con películas como Veritas de Eliecer Jiménez Almeida (Cuba-Estados Unidos). El documental revela la invasión a Bahía de Cochinos en Cuba en 1961, presentada sesenta años después a través de las voces de sus protagonistas. También se podrá ver Camino de lava de Gretel Marín (Cuba), que sigue la vida de Afibola, una poeta afrofeminista, activista y queer, junto a su hijo de ocho años, Olorun, en el centro de La Habana.

El domingo 10 de diciembre, el festival culmina con una selección de películas donde se destacan El encargado, de Ricardo Figueredo Oliva (Cuba), que se centra en La Habana, donde un hombre experimenta un contacto con un ser de otro planeta mientras discuten sobre la vida cotidiana y el consumo de sustancias ilícitas. También se podrá ver Ventanas, de Jhon Ciavaldini (Argentina-Venezuela),que muestra imágenes de protestas en Venezuela entre 2014 y 2017, observadas por ciudadanos desde sus casas.

Esta cuarta edición, que se desarrollará no solo en Buenos Aires sino en múltiples sedes alrededor del mundo, destaca la importancia de dar voz a aquellos cuyas narrativas pueden ser silenciadas. La conexión entre distintas cinematografías y la reflexión sobre temas tabú en sociedades diversas son los ejes que guían esta edición, cuyo objetivo es potenciar el diálogo entre cineastas del sur global y visibilizar el valioso trabajo del cine independiente cubano. Según las palabras de su director artístico, esta edición representa un hito al ser la primera concebida en el exilio, lo que plantea un desafío en cuanto a su ubicación sin un centro definido. ¿Cómo elegir sede para un evento que promueve el cine independiente cubano cuando el país es inaccesible? ¿Cómo establecer un punto focal en una diáspora en constante expansión? Se cuestiona la noción de nación más allá de límites geográficos y políticos. Se busca reestructurar el festival para reflejar y potenciar la circunstancia actual de la mayoría de los cineastas exiliados.

Bajo la dirección de Tania Bruguera y el cineasta Ricardo Figueredo, esta edición reivindica la libertad de expresión en el mundo cinematográfico (Crédito: Prensa Festival INSTAR)

La propuesta curatorial reúne obras significativas del cine cubano de esta década, mostrando poéticas diversas que construyen la columna vertebral de un nuevo cine. Este movimiento artístico trasciende generaciones, con una creciente consciencia de su carácter híbrido y transnacional, buscando rupturas más que reverencias con el cine cubano clásico. Estas obras exploran múltiples facetas de Cuba: la crisis socioeconómica, el impacto del totalitarismo, el racismo, la homofobia, la educación, la decepción generacional, la relectura histórica, la represión política y la diáspora. Además, se invita a cineastas de otras regiones, como Haití, Venezuela, Nicaragua, Irán y Filipinas, cuyas realidades dialogan con las de Cuba, creando un diálogo entre sus historias a través del cine.

El festival también propone espacios de encuentro, como charlas y debates, para reflexionar sobre diversas prácticas artísticas. INSTAR busca diseminar, aprovechar la fertilidad y liberación cultural en un paisaje fragmentado, atendiendo al conflicto que enfrentan los millones de cubanos exiliados. El propósito es crear un corredor de imágenes entre los puntos dispersos de la diáspora, con la esperanza de conectar nuevamente con la isla y sus complejas versiones a través del cine.

El IV Festival de Cine INSTAR, además de su función como muestra cinematográfica, otorgará el prestigioso Premio Nicolás Guillén Landrián a la obra que mejor explore un tema tabú de su sociedad a través de la creación audiovisual. Este premio, acompañado de un fondo para apoyar la siguiente obra del artista premiado, rinde homenaje al legado del documentalista y pintor cubano Nicolás Guillén Landrián, cuya obra sigue resonando y desafiando los límites hasta el día de hoy.

Este evento se sumerge en el nuevo cine cubano, explorando su interacción con diversas cinematografías, particularmente aquellas provenientes de países con regímenes dictatoriales o autoritarios (Crédito: Prensa Festival INSTAR)

El panel de jurados seleccionados para el Festival está compuesto por: Alejandro Hernández, guionista, novelista y productor de cine de La Habana, Cuba, es conocido por su premio Goya al Mejor Guión Adaptado por “Todas las mujeres” (2013) y nominaciones por obras como “Caníbal” (2013), “El autor” (2017), “Mientras dure la guerra” (2019) y “Adú” (2021). Dunja Fehimović, originaria de Sarajevo, Bosnia y Herzegovina, es Profesora Titular / Profesora Asociada de Estudios Hispánicos en la Universidad de Newcastle. Por último, Paulo Antonio Paranaguá, periodista, crítico de cine e historiador nacido en Río de Janeiro, Brasil, ha dejado una marca significativa en la exploración del cine latinoamericano y ha sido miembro del movimiento surrealista en São Paulo y París.

Con talleres, debates, clases magistrales y exposiciones, el IV Festival de Cine INSTAR promete una experiencia enriquecedora para los amantes del cine y para aquellos ávidos de perspectivas frescas y desafiantes. Es un evento que trasciende las fronteras geográficas y artísticas para celebrar la diversidad, la libertad creativa y la valentía de contar historias que merecen ser escuchadas en un mundo en constante transformación.

El mensaje del Ministerio de Cultura de Cuba

Por otra parte, el Ministerio de Cultura de Cuba lanzó una campaña en contra del Festival de Cine INSTAR. Ha sido objeto de críticas por incluir la película Veritas, del cubano Eliécer Jiménez Almeida, que aborda la experiencia de la Brigada de Asalto 2506, considerados mercenarios por la Historia oficial cubana. Las publicaciones oficiales han acusado al festival de glorificar el terrorismo contra Cuba al exhibir este largometraje. El ministro de Cultura, Alpidio Alonso Grau, y otros funcionarios, han cuestionado la legitimidad del festival y la libertad que defiende, acusándolo de ser financiado por la CIA y de atentar contra el proyecto colectivo del pueblo cubano. El cineasta Eliécer Jiménez Almeida, autor de Veritas, residente en Miami, ha respondido a las acusaciones afirmando que su película no es respaldada por la CIA ni por intereses imperialistas, y señala que busca mostrar una versión alternativa de la historia oficial sin imponer una ideología.(I).

Aunque iniciara su camino artístico durante las dos últimas décadas del siglo XX, con la serie autoeditada The Acme Novelty Library, que es la semilla y el invernadero de toda su obra, fue en el año 2000 cuando el ilustrador y guionista, el autor de novela gráfica más importante de nuestra época, publicó su primera obra maestra: Jimmy Corrigan, el chico más listo del mundo (Reservoir Books). En ella sintetizó materiales diversos: la narración secuencial, la ambición literaria de sustrato existencialista, el diseño y la arquitectura gráficos, el laboratorio. Doce años después dio un salto vanguardista con Fabricar historias (Reservoir Books), catorce tebeos de diversos formatos en el interior de una caja: una invitación a reconfigurar la narración y expandir la experiencia de lectura. Es también editor e ilustrador. Sus portadas del New Yorker son siempre virales. Ha hecho incluso un puzzle, Building Stories (que no he sido capaz de completar). Pareciera como si su orfandad, como si el hecho de no haber conocido a su padre hasta que era ya adulto, lo hubiera conducido no sólo por un camino temático, el de la soledad radical, sino también por uno formal: el de la búsqueda del sentido de un conjunto laberíntico, fragmentado en miles de unidades mínimas de interpretación casi imposible.

El novelista gráfico Chris Ware cobró notoriedad a principios de este siglo con su historieta “Jimmy Corrigan, el chico más listo del mundo”

La arquitectura colaborativa de Francis Kéré

El estudio Kéré Architecture se ubica a sí mismo en “la intersección entre el pragmatismo y la utopía” y se define como la creación de “arquitectura contemporánea que alimenta la imaginación con una visión afrofuturista”. Fundado en Berlín el año 2005 por Francis Kéré, arquitecto de Burkina Faso nacionalizado alemán, fomenta la participación social para el diseño comprometido de edificios que sean, al mismo tiempo, una fuente de conocimiento. Para entonces ya había iniciado el proyecto de un colegio en Gando construido con materiales locales, como los bloques de tierra comprimida, y no con hormigón como las escuelas anteriores de la zona, que después amplió con nuevas aulas, biblioteca, campo de fútbol, jardín, pozo, alojamientos para docentes, y una segunda sede de educación secundaria, realizada en 2007 con alumnos que se habían formado en la sede original. Ésas y otras obras también africanas han transformado materiales tradicionales para potenciar el bienestar térmico, la sostenibilidad, la ventilación natural y la cooperación y la complicidad de quienes iban a usarlos. No es extraño que, por este tipo de materializaciones del idealismo, Kéré recibiera el año pasado el premio Pritzker, el más importante de la arquitectura.

Escuela secundaria construida por Francis Kéré en su pueblo natal de Gando, Burkina Faso. REUTERS/Anne Mimault

La música performativa de Arca

Artista transgénero –en los dos sentidos de la palabra–, la venezolana Alejandra Ghersi Rodríguez fue primero Nuuro y es Arca desde 2012. Su música electrónica y experimental, en diálogo con el hip hop y otros estilos urbanos, ha investigado también en la tradición folklórica de su país. Sobre el escenario usa zancos y se apropia iconoclasta de los códigos de la figura de “diva” y los hackea con estética de videojuegos y anime. Tal vez su álbum más emblemático sea Mutant, de 2015, que dio después nombre a sus giras, desde 2019 hasta ahora. Como Bizarrap, Arca es también productora y DJ. En su constelación de colaboraciones figuran nombres como los de Björk, Laurie Anderson, Rosalía, Lady Gaga o Sia. Como modelo, ha desfilado para Loewe o Calvin Klein y ha sido portada de la edición latinoamericana de Vogue. Desde que abandonó Caracas, ha vivido en Nueva York, Londres y Barcelona, donde reside en la actualidad. Trans, clásica y viral, mutante, relacional y colaborativa, múltiple y nómada: todos los rasgos de su vida, carrera y obra encajan en el retrato robot de una artista paradigmática del siglo XXI.

Arca es una artista, productora y DJ transgénero venezolana que compone música electrónica y experimental en diálogo con diferentes estilos

Las imágenes generadas con inteligencia artificial de Refik Anadol

La palabra del año para el diccionario Cambridge ha sido “hallucinate”, es decir, la dimensión más alucinada de la inteligencia artificial. Y Machine Hallucinations: Sphere es el título de la obra más reciente del artista turco Refik Anadol, que tal vez no sea el más sofisticado ni conceptual de los que trabajan la relación de las redes neuronales con la imaginación, pero es sin duda el más visible e influyente. Se trata de la proyección que recubre la faraónica esfera arquitectónica que se puede ver en Las Vegas desde el pasado mes de septiembre, parte de una serie de alucinaciones de mentes maquínicas a partir de entrenamiento con grandes datasets de imágenes. Por desgracia, no he estado nunca en Las Vegas, pero he podido ver de ver in situ varias de las propuestas más célebres de Anadol, como la que hechizó este año el hall del MoMA o la que cubrió la fachada de la Casa Batlló de Barcelona; mi favorita, no obstante, es de menor tamaño: la escultura de datos Universe Simulations: The Merging of Milky Way & Andromeda, que creó para la Triennale de Milán. Una reconstrucción fascinante del nacimiento de dos galaxias. En otras palabras: la imaginación científica, física de lo real, en lugar de la recreación surreal de los sueños o las pesadillas de la inteligencia artificial.

Visitantes observan una obra de la exposición “Unsupervised” (“Sin supervisión”) del artista Refik Anadol en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en enero pasado. (AP Foto/John Minchillo)

La biblioteca cósmica de Kate Paterson

Hace diez años, en Campo del cielo, la artista británica fundió, derritió y luego forjó un fragmento de meteorito, que devolvió al espacio gracias a la colaboración de la Agencia Espacial Europea. En su último proyecto, Mirage, de este mismo año, ha diseñado una escultura pública gigantesca junto con el estudio de arquitectos Zeller & Moye para el centro de visitantes de Apple Park, compuesta por 400 columnas de cristal hechas con arena de desiertos de todo el mundo, gracias a formas innovadoras de trabajo con vidrio, que crean un recorrido a través de un campo de olivos. La escala expandida de sus propuestas tiene que ver tanto con los vastos equipos humanos que implica en ellas como con la idea de que el planeta entero, el universo todo es su taller o su sala de exposiciones. La escala, no obstante, es tanto espacial como temporal: juega con el pasado y el futuro, con el tiempo profundo. Ha explorado los primeros bosques y la muerte de las estrellas. Y en su obra en marcha Future Library, con sede en la Deichmanske Bibliotek de Oslo, cada año se selecciona a un autor que escribe un texto que no será leído ni editado hasta 2114. Las obras secretas de Margaret Atwood, David Mitchell, Sjón, Elif Shafak, Han Kang, Karl Ove Knausgård, Ocean Vuong, Tsitsi Dangarembga, Judith Schalansky y Valeria Luiselli. Una antología posible de la literatura internacional más consciente de las heridas y los desafíos de la actualidad.

“Mirage”, una enorme escultura pública diseñada por Kate Paterson para el centro de visitantes de Apple Park, compuesta por 400 columnas de cristal hechas con arena de desiertos de todo el mundo

Tomás Saraceno, Neri Oxman, Véréna Paravel y Lucien Castaing-Taylor, Forensic Architecture, Israel Galván y Rocío Molina y El Niño de Elche, Chris Ware, Arca, Francis Kéré, Refik Anadol, Kate Paterson. Más allá de sus singularidades, ¿qué tienen en común estos diez proyectos tan significativos?

Para empezar, han sido pensados y realizados por personas que se formaron en el último tramo del siglo XX y consolidaron sus poéticas en el XXI. Para ello combinan unas prácticas y unas estrategias de pensamiento y creación analógicas, clásicas, con las herramientas y las formas de producción y circulación digitales, virales, altamente complejas. En estos momentos el bailaor Galván hace el papel de Tiresias en Infamous Offspring, de Wim Vandekeybus, proyectado durante todo el espectáculo en una pantalla.

Las vanguardias artísticas del siglo XXI se piensan a sí mismas como investigación en equipo, casi siempre el diálogo entre artistas y profesionales de disciplinas afines, como otros lenguajes artísticos, el diseño gráfico o la inteligencia artificial, a menudo con asesores tecnológicos y científicos. Son colaborativas, transversales, transfronterizas, fluidas. Incluso las artesanías antiguas, como el flamenco o el dibujo, dialogan con el diseño y la arquitectura en clave contemporánea.

Su escenario o su ámbito de ejecución o de exhibición trasciende los habituales: el cómic se derrama del objeto libro en la caja o el juego; la recepción de la danza o la música se vuelve global a través de Netflix o Spotify; se erigen macroestructuras hechas con pantallas y otros materiales; el artista radicante siente que puede trabajar a escala global; y la obra, incluso, llega a representar el universo o a ser enviada a bordo de una sonda o un satélite al espacio exterior.

Como otros artistas del siglo XXI, el bailaor Israel Galván combina prácticas y estrategias de pensamiento y creación analógicas con las herramientas y las formas de producción y circulación digitales (Photo by Roberta Parkin/Getty Images)

Pero no sólo desbordan los límites espaciales de la tradición, hacen lo mismo con los temporales. Sus arqueologías atraviesan en clave forense los estratos del siglo XX y van más atrás, rebobinando la historia occidental y del sur global, en busca de conceptos, tecnologías, sabidurías antiguas o incluso ancestrales, o hundiéndose en las eras geológicas y el tiempo profundo. Pero también se interesan, mediante estrategias de la ficción especulativa y el diseño de futuros, en el horizonte del Antropoceno, por las formas posibles del porvenir (como el afrofuturismo).

Los materiales más antiguos –como la tiza o la cuerda, en el caso de Galván o Molina, como la arena o el fango en el de Kate Paterson o Francis Kéré– dialogan, a menudo en el marco de una misma propuesta, con materiales nuevos, sintéticos, bioinspirados, impresos en 3D. Pero nunca se trata sólo de proyectos físicos. Son también teóricos y autoconscientes. Se mueven entre el teatro o el museo y el centro de investigación y la academia. Entre sus materiales intelectuales están la artesanía extrema, la ecología, la memoria, la ciencia ficción.

Por eso no es extraño ver en los catálogos y en los volúmenes que se publican en la órbita de esos proyectos las firmas del neurobotánico Stefano Mancuso, la tecnóloga Katie Crawford, el escritor Ted Chiang, los filósofos Bruno Latour, Donna Haraway, Emanuele Coccia o Yuk Hui. Con sus libros y sus intervenciones han creado el marco conceptual en el que se insertan las nuevas narrativas y las nuevas artes, en las que dialogan con crítica, inteligencia, asombro y belleza lo humano y lo no humano, lo material y lo espiritual, lo ultralocal y lo cósmico, lo muy antiguo y una biblioteca de futuros por desvelar.(I).

Iván Hochman se hizo conocido al interpretar a Fito Páez en la serie El amor después del amor. Pero además de actor, docente, dramaturgo y director de cine, este joven argentino de tan solo 29 años demostró que no solo es capaz de interpretar textos ajenos, sino también de escribirlos él mismo.

En Por qué te vas, su primera novela, Hochman condensa “las ansias de toda una generación” con una historia que gira en torno a uno de los problemas más grandes de la juventud actual: la dificultad de abandonar el nido e irse a vivir solo.

El protagonista de esta novela es Milo, un joven que vive con sus padres y su hermana, pero se quiere independizar. Mientras recorre la ciudad en bicicleta, visita departamentos en alquiler y se cruza con personajes desopilantes, alguien le va dejando, como pistas que no llevan a ningún lado, notas en las que se repite una pregunta: “¿Por qué te vas?”.

Esta novela, editada por Alfaguara, es una obra polifónica donde los testimonios de amigos que dieron el salto, las listas de pendientes y ciertos objetos queridos cuentan una historia e iluminan un futuro. ¿Qué se hace cuando la independencia no es una opción?

Así empieza “Por qué te vas”

“Por qué te vas”, de Iván Hochman, editado por Alfaguara.

Parte 1

Es el atardecer. El aire uniforme de un color que se extingue. La noche que erosiona lo que quedó del día. El ritmo artificial, la vorágine, el silencio que se deja envolver por un cardumen de sonidos, hombres como peces boquean humo de burbujas, todo una misma cosa. La ciudad bajo el agua.

Hay en esta luz algo final. Casi lo nombro y desisto.

Es el atardecer y la velocidad de la bicicleta: veo mal o veo distinto; todo me pasa como flashes: una vieja arrastra un caniche y me grit, dos espal­ das encorvadas por el peso de las bols, un grupo de adolescentes disfrazados como en una pel, cuatro cabezas metidas en sus cuatro celul, atravieso el paisaje, nada me toca, no soy parte. Rojo.

Respiro. Una gota de sudor cae de mi ceja y me recorre la cara. Un pájaro azul pasa volando sobre mi cabeza. Un escalofrío. Lo sigo mientras sobrevuela negocios, carteles de publicidad, edi­ficios. La gota de sudor sobre los labios. El pájaro se esconde atrás de un cartel y lo pierdo de vista. El gusto a sal en la boca. Enmarcado entre dos edificios, un hueco color mar invadido por las últimas nubes rosas. Inspiro. El viento fresco en la cara. Y una frase: tu vida sería perfecta. El semá­foro se pone en verde. Pero no avanzo. Ato la bici a un poste y entro.

Godoy Cruz 3038, 4 amb., ctrafrte., balcón, ¡muy lum!, 3 bañ.

Toco timbre y espero a que abran la puerta del cuarto B. En primaria era del B. Los del A eran cancheros y en las fiestas bailaban lentos y chapaban. Los del C se portaban mal y los pro­fesores siempre estaban retándolos. Los del B éramos tranquilos, buenos, infantiles. Una no­che de cuarto grado planeamos con dos amigos del B ponernos de novios con chicas de otros grados. Yo decidí enamorarme de Marina, que era del C, pero tan buena y tranquila que pare­cía del B. Ella me dijo que no quería ser mi no­via, una actitud muy del A, y durante más de un año me la pasé llorando para que dijera que sí. Al final, aceptó. Solo nos hablábamos por carta y nunca, ni una vez, nos dimos un beso. En al­gunas fiestas bailábamos lentos. Para mí era lo máximo, podía abrazarla y no tenía que pasar por la vergüenza de hablarle porque sonaban bien fuerte las canciones de un tipo horrible que se llamaba Álex Ubago. ¿Seguirá vivo Álex Ubago?

—Hola, vengo en busca de mi infancia.

La señora que me abre la puerta del departa­mento no sabe qué decir, su boca se contorsiona entre la duda y la sonrisa.

—Es un chiste, vengo a ver el departamento.—Demasiado pronto me apiado; podría haberme divertido un poco más.

Se sienta en una silla y mira el celular. No me considera un verdadero cliente.

Los mosaicos del piso, los marcos de las venta­nas, la bañadera antigua, la cama con respaldo de hierro; termino de recorrer las habitaciones y me siento en el suelo. Busco el techo y lo encuentro demasiado lejos. Inalcanzable para alguien como yo. Saco el cuaderno de la mochila y arranco un rectángulo de papel. Escribo un nombre y un nú­mero de teléfono. Me acerco a la señora, que sigue mirando el celular.

En 2022, tras figurar en un episodio del seriado web “El fin del amor”, Hochman fue elegido para interpretar a Fito Páez en la serie “El amor después del amor”. (Netflix)

—¿Conoce a Álex Ubago? —le pregunto.

—No personalmente, pero escuché las can­ciones.

—Son buenas, eh. Muy buenas.

—Sí, sí, me gustan.

—El departamento es para él.

—Para… ¿el cantante?

—Sí, para Álex. Para Álex Ubago. Soy su agente. Me pidió que le consiga departamento durante su estadía en Buenos Aires. Acá le dejo mi tarjeta, cualquier cosa me llama.

Abandono el departamento perfecto con un portazo.

Pedaleo por una callecita que desemboca en el río. En mi cuadra viven, además de la mía, otras pocas familias, sus casas empotradas entre terre­nos baldíos y jardines silvestres. Un perro inmen­so galopa hacia mí y lo paso de lar, la dueña lo corre, se queda sin aire, putea a los grit, un nene sentado sobre el cordón con frutillas en las rod, avanzo hacia mi casa zigzagueando sobre la bici. Entonces escucho el saxo del vecino de enfrente. Nunca logra terminar una canción sin equivocar las notas. Salto de la bici y camino hasta el por­tón. El vecino del saxo interrumpe su canción con un soplo afónico. Pienso que va a rendirse, pero vuelve a intentarlo.

Cuando entro a mi casa con la bicicleta al hombro, mamá sale a recibirme con un abrazo. Tan fuerte que me corta la respiración. Papá, sen­tado en el sillón con la computadora sobre las piernas, me guiña el ojo. Mi hermana está en su cuarto tocando la guitarra. Dejo la bicicleta y subo corriendo las escaleras.

En casa hay ventanales, una terraza y un jar­dín donde papá me jugaba a los penales. Un úni­co árbol, alto, de hojas puntiagudas. Los sonidos del río no llegan hasta la casa, pero se lo ve por todas las ventanas y se escuchan los pájaros tem­prano, desde la madrugada. El viento y la lluvia suenan fuerte y claro cuando hay tormenta; mu­cho más que en la ciudad, donde los edificios fre­nan las corrientes. En la ciudad lo que se escucha es la ciudad, sus lamentos: el humo, las bocinas, los negocios, los boliches, los colectivos. Desde la habitación de mis papás es desde donde mejor se ve el río: plateado, con los primeros naranjas del atardecer, el cielo que se derrumba sobre la superficie del agua.

Bajo las escaleras a oscuras. Pegado sobre la puerta de mi habitación encuentro un papel en el que alguien escribió una pregunta: ¿por qué te vas?

Quién es Iván Hochmann

♦ Nació en 1994 en Buenos Aires, Argentina.

♦ Es actor, director de cine, dramaturgo y docente.

♦ Escribió y dirigió el cortometraje Yo, Ella y Superyohn.

♦ Participó en las obras de César Brie El paraíso perdido, La Mansa y Karamazov, al igual que en Mishiadura bailable de Manuel Longueira, entre otras.

♦ Como dramaturgo, en 2021 ganó el concurso Nuestro Teatro, organizado por el Teatro Nacional Cervantes, con su obra Decir te amo es un atentado.

♦ En 2022, tras figurar en un episodio del seriado web El fin del amor, fue elegido para interpretar a Fito Páez en la serie El amor después del amor, estrenada en 2023 por la plataforma Netflix.(I).

Todo listo para que arranque un nuevo festival de música en el Tasso. Comienza hoy, primero de diciembre, con un show de Luis Salinas, y continúa con un itinerario imperdible. La Bersuit, Iván Noble, Julieta Lasso, Parodi-Herrero-Falú, Baglieto-Vitale, Nacha Guevara, Lidia Borda y Ariel Ardit son algunos de los artistas que participan de la edición número 21 de este ciclo que ya se volvió histórico. Durará todo el mes. Ocurrirá en el mítico local ubicado frente al Parque Lezama.

“¿Cómo describiría estos shows en el Tasso? Pianissimo: dícese de la pieza o fragmento musical que debe interpretarse suavemente, con muy poca intensidad”, dice Iván Noble. Y agrega: “Ese será exactamente el espíritu de esta propuesta: canciones en estado de reposo (que hace tiempo no las visito y extraño) que cantaré con el acompañamiento de Rubén Casco en piano”.

Por su parte, Liliana Herrero comenta: “En este ya histórico festival de diciembre que organiza el Torquato Tasso, vamos a presentar con Teresa Parodi y Juan Falú la obra Mojones. Signos y memorias de la patria. Siempre es grato presentarnos en el escenario de este hermoso lugar y buscaremos esa noche ser más felices disfrutando de la música”.

Luis Salinas / Iván Noble

Juan Subirá de La Bersuit asegura que “es un lugar muy lindo para nosotros, ya tocamos muchas veces ahí. En esta ocasión vamos a compartir en formato electro acústico algunas canciones que el público seguramente conozca y varias otras no habituales, incluyendo unas que formarán parte de un nuevo disco próximo a publicarse”.

Por último, Luis Salinas, a horas de tocar, dice: “El Torquato Tasso es un lugar que quiero mucho por tanta historia que tengo ahí. Muchas noches de buena música que disfruté tanto arriba como abajo del escenario, en el marco de ese tan lindo espacio. En esta noche de apertura del festival vamos a estar tocando con Javier Lozano en piano, el Choco Drums, un cubano maravilloso, en percusión y Juan Salinas. Siempre es una emoción grande tocar con mi hijo Juan. Con ellos, y seguramente algunos músicos invitados, disfrutaremos de una noche de salsa, boleros, candombe y todo lo hermoso que tiene el Latin Jazz”.

Todos los conciertos comienzan a las 22 horas y a partir de las 20 el público puede acceder a la sala para ocupar las mesas. El Tasso, que este año cumplió 27 desde su apertura, mantiene su esencia de club cultural que nació como un lugar dedicado al tango y en formato de milonga para, tiempo después, instalarse como un espacio para la música en vivo. A continuación, la grilla completa (aunque se esperan sorpresas).

Julieta Lasso

Viernes 1: Luis Salinas

Sábado 2: Maggie Cullen

Jueves 7, 14 y 21: Bersuit Vergarabat

Viernes 8: Me darás mil hijos

Sábado 9: Mederos Trío – Quinteto revolucionario

Miércoles 13: Minino Garay, Manu Sija, Magic Malik y Juan C Torres. Invitados Jairo y F Luciani

Viernes 15 y 22: Iván Noble

Me Darás Mil Hijos / La Bersuit

Sábado 16: Malena Muyala

Domingo 17: Teresa Parodi, Liliana Herrero y Juan Falú

Miércoles 20: Julieta Lasso

Sábado 23: Baglieto-Vitale

Jueves 28: Nacha Guevara

Viernes 29: Lidia Borda-Ariel Ardit.(I).

Si bien un título de una universidad de élite no garantiza el éxito en una persona, en el caso de la sociedad estadounidense, el éxito es un buen indicador de haberse recibido en una universidad de élite.

Así, TIME y Statista analizaron los currículums de 2.000 altos líderes de Estados Unidos (políticos, directores ejecutivos, líderes sindicales, ganadores del Nobel y más de todos los sectores) para elaborar una lista de las universidades y facultades donde recibieron sus títulos.

Muchas de las mejores escuelas que forman a futuros líderes también tienen destacados programas de derecho y negocios, o son grandes universidades de investigación. Lo que distingue a estas escuelas, dicen los expertos, no es necesariamente que enseñen a los estudiantes a ser mejores líderes, sino que los ex alumnos reciben más oportunidades y muchas empresas tienen un gran interés en contratarlos.

Para los futuras empresas que contratarán a los universitarios recibidos, independientemente de lo que un estudiante haya aprendido en la escuela, un diploma de élite indica al menos dos cosas a los posibles empleadores: supervivencia de un proceso de admisión difícil y una alta probabilidad de inteligencia.

“Los estudiantes de élite no son los únicos jóvenes brillantes del mundo, pero los títulos de élite ofrecen un atajo para encontrar talento y hacen que las personas se destaquen cuando son evaluadas por personas que no las conocen, como en una entrevista de trabajo”. sostuvo David Deming, profesor de economía política en la Escuela Kennedy de Harvard.

Según un estudio de 2022 publicado en Nature, el 80% de los profesores estadounidenses formados en el país lo fueron en solo el 20% de las universidades, especialmente UC Berkeley, Harvard, la Universidad de Michigan, la Universidad de Wisconsin-Madison y Stanford, todas las cuales se encuentran entre las mejores top 30 de la lista de TIME.

1- Harvard University: Se trata de la universidad más antigua de Estados Unidos, y en casi todos los rankings de universidades del mundo pelea por los primeros puestos. Lleva el nombre de su benefactor, John Harvard. De entre sus estudiantes han salido más de 40 ganadores de premios Nobel. Tiene el mayor presupuesto de todas las instituciones académicas del mundo.

Harvard cuida todas las áreas del conocimiento, pero las más potentes son las humanidades como derecho y economía y es una de las mejores universidades en administración de empresas. Es la universidad mejor clasificada en muchas categorías, incluidas biología y bioquímica y economía y negocios.

2- Stanford University: Fue fundada en 1891 por el magnate de los ferrocarriles Leland Standford, que la creó en memoria de su hijo, Leland Stanford Jr., que murió de fiebre tifoidea a los 16 años. Es la segunda universidad más selectiva de los Estados Unidos. Admite un 7% de las candidaturas. En Stanford estudiaron Larry Page y Sergey Brin, fundadores de Google, y William Hewlett y David Packard, fundadores de Hewlett-Packard. Stanford mantiene una rivalidad histórica con la vecina Berkley.

La ingeniería es una de las ramas fuertes de Stanford. Se trata de una de las mejores universidades de ingeniería. La otra disciplina importante es derecho. US News identificó a Stanford como el que tiene el mejor programa de química del mundo.

3- University of Pennsylvania: Conocida también como Penn o UPenn es una universidad privada ubicada en Filadelfia, Pensilvania. Fundada en 1740 por Benjamin Franklin, Penn es una de las ocho instituciones pertenecientes a la Ivy League y es una de las universidades más prestigiosas del mundo.

Tiene una producción científica muy alta y lidera en las disciplinas de negocios, derecho, medicina, educación, artes, humanidades, ciencias sociales, negocios, arquitectura e ingeniería. Entre sus escuelas y facultades se encuentran la Wharton Business School y la Escuela de Medicina Perelman, la facultad de medicina más antigua de los Estados Unidos. La universidad cuenta con unos 4500 profesores, casi 10000 estudiantes de pregrado, más de 10 000 estudiantes de posgrado.

4- Columbia University: Es una universidad privada situada en Manhattan (Nueva York). Cuenta con más de 20.000 estudiantes y abarca casi todas las disciplinas. Por ella han pasado 96 premios Nobel, 20 multimillonarios vivos, 26 ganadores de los Premios Óscar, y 29 Jefe de Estado, entre ellos tres Presidentes de los Estados Unidos. También esta universidad dirige el muy distinguido Premio Pulitzer, un premio anual por logros en periodismo, literatura y composición musical.

Se estudian Abogacía, Periodismo, artes e historia. También esta universidad dirige el muy distinguido Premio Pulitzer, un premio anual por logros en periodismo, literatura y composición musical.

5- Massachusetts Institute of Technology: Más conocido como el MIT, esta casa de estudios cuenta con más de 70 premios Nobel entre sus estudiantes. Los puntos fuertes del MIT son la ingeniería y la física. En los últimos 60 años se han incorporado humanidades, artes, lingüística y economía. MIT fue clasificada como la mejor universidad de matemáticas del mundo.

6- Yale University: Es una universidad privada ubicada en New Haven, Connecticut. Fundada en 1701 y miembro de la selecta Ivy League, Yale es la tercera institución de educación superior más antigua de Estados Unidos y uno de los nueve Colleges coloniales reconocidos con una Carta Real del monarca británico antes de la Revolución de las Trece Colonias.

Yale está organizada actualmente en catorce escuelas constituyentes: el college de pregrado original, la Escuela de Artes y ciencias de Yale y doce escuelas profesionales.

7- Princeton University: La Universidad de Princeton es una de las ocho universidades privadas de investigación de la Ivy League situada en Princeton. Fundada originalmente con el nombre de College of New Jersey en 1746, es hoy una de las más prestigiosas universidades del mundo.

Tiene una dotación financiera que supera los 23.000 millones de dólares. Parte de estos recursos son invertidos en su museo de arte que exhibe numerosas pinturas, esculturas y arqueología; sus fondos suman 72.000 piezas. El presidente de EE. UU. Woodrow Wilson fue alumno y presidente de esta universidad. Otros alumnos prominentes incluyen el CEO de Amazon Jeff Bezos, el expresidente del Perú Pedro Pablo Kuczynski, la ex primera dama Michelle Obama, el senador de Texas Ted Cruz, y la actriz Brooke Shields.

8- Northwestern University: La Universidad Northwestern, es una casa de estudios privada estadounidense situada principalmente en la ciudad de Evanston, en el estado de Illinois, Chicago. Fue fundada en 1851 por John Evans y otros ocho hombres de negocios de Chicago.

Se mantiene como universidad de investigación con una actividad “muy alta”. Las escuelas de dirección, ingeniería y comunicación de la Noroeste son de las académicamente más productivas de la nación en sus respectivas disciplinas.El presupuesto de investigación y desarrollo de la universidad fue de alrededor de 420 millones de dólares.

9- University of Michigan: Es una universidad pública estadounidense fundada en 1817 que está ubicada en el estado de Míchigan, cuyo campus principal se encuentra en Ann Arbor y tiene otros campus menores en Flint y Dearborn. Es una de las universidades públicas de mayor prestigio en los Estados Unidos.

La universidad cuenta con unos 32.000 estudiantes de grado y 16.000 de postgrado. La admisión de estudiantes de grado se clasifica como “más selectiva”. Esta universidad tiene uno de los más grandes presupuestos para investigación entre cualquier otra en los Estados Unidos y una de las más grandes plantillas de exalumnos con 420 000. La Universidad de Míchigan posee además uno de los centros médicos académicos más importantes en los Estados Unidos, el University of Michigan Health System.

10- University of Chicago: Es una universidad privada de investigación en Chicago, Illinois, Estados Unidos y está compuesta por una facultad de pregrado y cuatro divisiones de investigación de posgrado, que contienen todos los programas de posgrado y comités interdisciplinarios de la universidad.

Cuenta con ocho escuelas profesionales: la Facultad de Derecho ; la Escuela de Negocios Booth ; la Escuela de Medicina Pritzker ; la Escuela de Trabajo, Políticas y Prácticas Sociales de la Familia Crown ; la Escuela Harris de Políticas Públicas ; la Escuela de Divinidad ; la Escuela Graham de Estudios Liberales y Profesionales Continuos ; y la Escuela Pritzker de Ingeniería Molecular . La universidad tiene campus y centros adicionales en Londres, París, Beijing, Delhi y Hong Kong, así como en el centro de Chicago. Los estudiantes, profesores y personal de la universidad incluyen 99 premios Nobel.

11. University of California, Berkeley

12. Georgetown University

13. New York University

14. University of Texas at Austin

15. Cornell University

16. Dartmouth College

17. University of Virginia

18. Duke University

19. Brown University

20. Arizona State University-Tempe

21. University of North Carolina at Chapel Hill

22. University of Notre Dame

23. Texas A&M University

24. Vanderbilt University

25. University of Southern California (USC)

26. University of Minnesota

27. Indiana University

28. Boston College

29. University of Wisconsin-Madison

30. Emory University

31. Boston University

32. Purdue University

33. University of California, Los Angeles

34. University of Missouri-Columbia

35. Miami University

36. Pennsylvania State University

37. University of Illinois at Urbana-Champaign

38. Iowa State University

39. Johns Hopkins University

40. Baylor University

41. George Washington University

42. The Ohio State University

43. Syracuse University

44. United States Military Academy (USMA)

45. University of Alabama

46. University of Georgia

47. Washington University in Saint Louis

48. Michigan State University

49. Santa Clara University

50. University of Iowa

51. University of Pittsburgh

52. Carnegie Mellon University

53. Rutgers University

54. University of Washington

55. Lehigh University

56. Auburn University

57. University of Utah

58. Louisiana State University

59. University of Arkansas

60. Brigham Young University

61. William & Mary

62. Trinity University

63. Villanova University

64. University of Colorado Boulder

65. University of Maryland

66. Tufts University

67. Tulane University

68. University of Florida

69. Mayo Clinic College of Medicine and Science

70. Drexel University

71. Bradley University

72. Wake Forest University

73. Georgia Institute of Technology

74. Pepperdine University

75. The California Institute of Technology (Caltech)

76. University of Rochester

77. Middlebury College

78. University of Kentucky

79. Western Michigan University

80. University of Oregon

81. University of Nebraska, Lincoln

82. United States Naval Academy

83. University of Connecticut

84. Clemson University

85. University of Massachusetts-Amherst

86. Temple University

87. North Carolina State University, Raleigh

88. University of Houston

89. Claremont McKenna College (CMC)

90. Rice University

91. Case Western Reserve University

92. Amherst College

93. Davidson College

94. University of Vermont

95. Mount Holyoke College

96. Kansas State University

97. Smith College

98. James Madison University

99. Colgate University

100. Wayne State University